FIGURA AL ÓLEO

FIGURA AL ÓLEO
SERIE DE VIDEOCURSOS

viernes, 24 de junio de 2011

TECNICA DE LA PINTURA REALISTA- ACADEMICA Y TRADICIONAL DEL OLEO



PAINT A PICTURE        
         TECNICA TRADICIONAL DEL OLEO


La técnica es consecuencia de la sensibilidad.
En plena libertad, encuentras tu proceso, tomando de los materiales, solo aquello que te ayuda a describir lo que sientes. 



Oleo, membrillos de 30 x 30 cm. Gustavo Gonzalez Echeverria


Modelo para bodegon de objetos chinos



Oleo, Frutas para las señoritas     Gustavo Gonzalez Echeverria   1999


Planeamiento del cuadro


Díptico, Desnudo y huaco en dos tiempos. Gustavo Gonzalez Echeverria  2003

Planeamiento de la obra

Centauro Salvaje, dibujo sobre lienzo de Gustavo Gonzalez Echeverria   2010-11



Oleo en etapa avanzada



Bodegon de huacos mochicas, junto al modelo    Gustavo Gonzalez Echeverria  2011


Cuadro en proceso. 




Hercules y el toro,  oleo de Gustavo Gonzalez Echeverria

 Momento de la grisalla.




Desde siempre guardé referencias del proceso de mis cuadros, fotos, esquemas, bocetos, estudios, etc; para cuando me perdiera, los revisaría y retomaría sin dudas. Tratándose de pintura, todo nuestro proceso solo se describe con imágenes, de muy poco sirven las palabras. 





ADVERTENCIA:
NO ES UN CURSO DE PINTURA,
SON SOLO COMENTARIOS.
Si bien hasta ahora, he tenido la intención de mostrar el camino académico que conozco, quisiera aquí contar un poco del proceso que suelo hacer para pintar. En mayor confianza con ustedes.
Así, esto podría ser subtitulado: ...Y COMO NO PINTAR UN CUADRO. Pues mas les diría sobre los errores en cada cuadro que sobre los aciertos, guardo notas sobre ellos tambien, igual es un camino recorrido que como un gusano que busca el túnel para escapar, a cada paso en falso se va acercando a la salida. A una luz.
¡Ahora ya sabes que no debes hacer!, me decía el profesor Velarde.
Antes de llegar a una concresion tecnica aceptable, uno acumula una gran cantidad de telas pintadas sin mucho sentido, son estudios previos de lo que sera algo bueno.
Sin desanimarse, uno nunca estara completamente satisfecho, la tecnica ira madurando con nosotros.
Mas calma y paciencia. Una sensación de control sobre la ejecución.

Pero existe una constante extraña, primero estamos exitados con el ultimo cuadro, algo contentos. Luego lo destruimos, lo criticamos hasta el desánimo. Pero con el tiempo le damos un valor especial, fuera de la calidad que posee;  aquel cuadro termina por mostrarnos algo de nuestro pasado que ya no es mas.
 Lo irrepetible por que cambiamos, para bien o para mal. Si somos otros, otra será nuestra técnica. Vemos distinta la realidad.
Que pensaria Rembrand al ver sus cuadros de encargo con los que empezo. No lo se, debio ser duro, pero el genio esta por encima de lo esperado, siempre es creador por que esta en plena libertad.

RESPETO AL PROCESO
SI YO TENGO UN METODO PROPIO, TU TAMBIEN
Siempre con una idea firme de solo comentar, es decir, no tratar de enseñar un método propio. El cual va cambiando según comprendo nuevos aspectos. O peor, a veces se pierde en búsquedas extrañas.
Soy enemigo de esos cursos-tutoriales, con demostraciones paso a paso, pues cada individuo encontrara su lenguaje propio, su camino, y nada debe tratar de moldearlo o conducirlo en ese aspecto.

Solo deberían tratarse de enseñar los fundamentos generales, las bases conceptuales y materiales  comunes a todos. Mucho respeto con el.
Además, solo eso se puede enseñar, la experiencia no es transmisible, el método y proceso de pintar es producto de la experiencia mas personal. Resultado de tu sensibilidad con la realidad y los materiales.

Ya el hecho de mostrar una obra, es suficiente para decir el como se hace, y depende del estudiante si  absorbe o no algunos datos útiles. Es su visión de la pintura, su carácter y diferencia lo que vale al final.

Recuerdo como cierro instintivamente los ojos cuando tengo frente a mi una obra con demasiado virtuosismo, un detalle exagerado, diseñada para atraer,  pero poco natural; pues se que me influenciara por un camino que no deseo. Tal vez les pasa eso a ustedes....
Como si supieran desde siempre, que desean para su obra futura, su arte verdadero.
Si se trata de grandes maestros, pues bienvenido el estudio y la influencia positiva. Y a quien le viene mal dibujar un poco como Leonardo, o Ingres y tener la técnica del oleo de Velazquez o Baca-Flor.
Si les atrae ese tipo de pintura, realista, natural, se dejaran influenciar por ellos, estando conectados.
Hay que buscar la influencia positiva, ver los cuadros y absorber.

BACA-FLOR. EL MEJOR, LA MEJOR TÉCNICA



 Detalle de un autorretrato de Baca-Flor.


Del colegio pase a los talleres del MALI, allí el profesor nos lizo subir al museo para ver dibujos y óleos, hablaba mucho sobre Baca-Flor y de verdad fue sorprendente.
Parecían fotografías antiguas, pero eran dibujos, óleos que sobresalían del resto de todos los demás cuadros realistas de la historia del Perú, allí presentes.
Ya pronto estaba en Bellas Artes estudiando pintura. Pero el maestro siempre esperaba allí, sus obras claro.
Es la mejor demostración técnica del arte pictórico académico y realista que vi.
Para comprender como hacia Baca-Flor recuerdo como con lupa en mano, estudiaba sus cuadros, en detalle, como muchos otros lo hacen. Quería ver que colores ponía en lo profundo, para conseguir la piel, el color de la piel.  Debajo de capas finas y veladuras, se veía algo. En algunos podía encontrar lineas del dibujo, pero solo en los cuadros mas abocetados, sueltos. Todas las demás pinturas eran un preámbulo hasta llegar a sus cuadros.


 Los vigilantes ya sabían que jamas tocaría la obra y me permitían pasar por delante de la cuerda de protección. Siempre y cuando no hubiera alguien mas. Fueron momentos de estudio que requerían de tal concentración, que hasta la respiracion era una molestia, se empañaba la lente.




BACA-FLOR. Estudio de retrato de J.P. Morgan banquero americano.

Estudio de anciano por Baca -Flor.


Estudio de figura masculina














Retrato de quien seria luego el Papa PIO XII, con mi lupa veía aun mas de cerca el detalle, este cuadro era uno previo, un estudio de Baca Flor.


La técnica de Baca-Flor, es de lo mas depurada, clásica y como lo apodaban, microscópica.
Sus óleos de estudiante son como de la mano de un maestro consumado, su dominio del color es consecuencia de su gran dibujo, es decir, existe un gran apollo en el efecto realista desde la luz misma.

No podría explicar integralmente como era su técnica, pues cambio con la madurez hasta hacerse liza y si pinceladas notorias, fotográfica. Mas como un escape al detallismo, hacia algunos trabajos muy libres, de empaste impresionista incluso, paisajes y estudios buenísimos.
Pero como proceso general se percibe la técnica clásica del oleo. Es decir un gran estudio de dibujo y el claroscuro en las capas iniciales, una vez seca la base, pintaba con capas de espesor diverso según la transparencia y opacidad requeridas por el efecto de la luz sobre el cuerpo. Vean en el retrato de arriba como la sombra es muy delgada, transparente y progresivamente se va opacando en la luz.
Vemos la misma técnica de los antiguos maestros, pero mucho mas minuciosa, en su calidad realista.
El efecto de volumen integral, que envuelve a los cuerpos, son obtenidos por veladuras muy delicadas, cálidas casi siempre, de gran realismo. Y es que Baca-Flor era un dotado.






BALANCE TEÓRICO-PRACTICO
Pero cuando requieres de alguien que te enseñe, deseas un balance entre lo que dice y lo que hace. Como un padre y un hijo, se le respeta mas, cuanto mejor ejemplo te da.
Así, para balancear, de vez en cuando se debe mostrar algo de lo que se hace realmente, para que confíen o no. Me ocurrió así cuando estudiante, y ahora es lo mismo, creo y respeto a quien demuestra un saber profundo y sensible, teórico y practico, es decir, también con su obra de taller.
Hay de todo en cuanto a profesores de pintura, pero por norma general desconfío de los que hablan demás, notan como un pintor verdadero es algo parco y si no tiene un lápiz en la mano, no puede explicarse completamente. Cuestión de lenguajes, o hablas, o cantas o escribes, o bailas o pintas...


Como en este caso, no se como llegue a este momento idiota en que debía explicar mi obra y no sabia por donde empezar, no soy bueno hablando en publico. Desde chiquito sabia que no.

En taller, con los compañeros de estudio, hablando mucho de pintura , es donde mejor estoy.

Decíamos en la Escuela que mas se aprendía de los estudiantes de últimos años que de los profesores.
Esa dureza implacable del estudiante, es lo que me conduce a esto de mostrar como hago en pintura, yo haría lo mismo si fuera un seguidor. Espero no sean tan duros con migo.

PROCESO


Entonces hablemos de procesos reales.
Requiero de espacio suficiente, para ver todos los materiales y moverme lo escencial.
Ver desde otros puntos de vista el cuadro, con espejos atraz y de mano.
Trapos suficientes, alguno húmedo para tener las manos sin grasa.
Pinceles dispuestos, por tamaño y calidad, al menos antes del desorden. El aguarrás para limpiarlos, aceite aligerado con trementina.





Planeamiento compositivo.


Ya en pleno desorden, todo puede estar en cualquier lado, siempre que pueda verlo.
Es mejor trabajar con luz natural en lo posible.


Generalmente procedo del siguiente modo:


boceto cero ( realizo muchos mas)
plan
estudios previos-bastidor
dibujo
mancha-1/2 empaste
frotados de colores agregados
empaste luces y demás
veladuras
correcciones


El resto del post puede resultar disperso, son las fases arriba descritas, pero de varios cuadros.

UN PLAN

Un tiempo antes de la ejecución, hago un esfuerzo de imaginación, calculo y estrategia
compositiva, mas, si el cuadro es de importancia.
Una idea clara del aspecto a destacar por sobre los demás.
Cuanto mas clara la idea, mas directa sera la ejecución, mas limpia y fresca de estilo incluso.

Tener un buen plan no significa lograr la satisfacción final, pero te ahorraras mucho material-tiempo-frustraciones.

Aquí, juntas las hojas que guarde del plan para el Bodegon del abuelo, del 98.
Esquemas de claroscuro, de recorrido visual y de alejamiento o planos atmosféricos, para el cuadro final.



A veces me han dicho: ¡Ha que cobarde!... por que no te lanzas sin pensarlo tanto.
Pero creo que el pintor figurativo analiza y deduce previamente para ser efectivo, o mas efectivo. Claro que siempre hay momentos para desbordar el ímpetu, la soltura intuitiva. Pero en el momento preciso de la obra, allí cuando esta enfriándose demasiado por tanto control.



CONTEMPLAR
¿Que te anima a pintar aquello?
Ser consciente de la belleza que se conecta a ti de algún modo.


EL MODELO, en un ángulo del taller, con luz artificial. Quiero pintar esas formas tan trascendentales de nuestra historia, de forma natural, no quiero mas. Los huacos son muy artísticos.




DISTANCIAS- PLANOS




El volumen, la ilusión requiere de un estudio del espacio y la profundidad, hacer sentir lo lejano y lo cercano.
Ahora el asunto de los planos, puede observarse al instante con la foto digital. Estas fotos son previas a la ejecución del bodegon de huacos mochicas, cultura preinca del Perú.


LATERAL


CENITAL







Las distancias y el alejamiento con respecto a tu ojo, determinan el nivel de detalle.







Entonces:



Así sean  unos pocos centímetros, ese efecto es fundamental para las sensaciones espaciales de profundidad.  Este es el modelo real de objetos chinos, verlo es como disfrutar de un gran paisaje.
Luz natural, claro.




LIENZO
Para el cuadro de los huacos, prepare una tabla nordex entelada.
Con un formato áureo de raíz de 2, trazo la red.
Se ve el boceto, sobre la tabla.







Formato de  43 x 60.8 cm.
La belleza del rectángulo áureo se basa en la evolución armónica y natural de las medidas del cuadrado.
Un rectángulo raíz de 2, significa que al dividir el lado mayor entre el menor, tendrás 1.4142
43 x 1.4142 = 60.8


La red áurea te permite ubicar formas o contrastes en el lugar mas bello del cuadro, sin usar el centro o los extremos.

La sección áurea es mi orden compositivo.

Ya hablaremos de ella.








DIBUJO-UBICACIÓN-CONSTRUCCIÓN-PROPORCIÓN

 
Con el carbón vegetal, esbozo las formas básicas, para su ubicación y proporción.
En este punto, recomiendo demorarse hasta quedar seguros del dibujo. Todo lo que les moleste visualmente,  debe ser eliminado o rectificado. Como si fueran arquitectos haciendo las estructuras, no pueden fallar.



Sin detalles aun, se acomodan muchas cosas en esta fase. Al tenerlo listo repaso con el carboncillo la costrucción lineal, en este caso no sombré.





Para este cuadro, del Centauro Salvaje, fue diferente. La idea la tenia desde un par de años atraz, solo tenia el boceto cero, por el que todo empieza siempre. El que se ve sobre el lienzo, el mas grande.
Con el tiempo me hice de varios estudios de la figura como de caballo en esa posición, cosa bien difícil, demore mucho para tener noción de su anatomía.




El dibujo casi terminado, con carbón vegetal y carboncillo. Algo valorado para ir viendo el claroscuro básico. Froto el carboncillo con un trapo, para no dejar lineas incomodas en el empaste posterior. No deben verse.


En el caso de un bodegon, delante mio, el estudio va surgiendo desde la belleza de los elementos mismos. Relajante. Las sensaciones son infinitas, solo hay que seleccionarlas.

 




En 1999, pinte Frutas para las señoritas, aquí una mala foto del momento en que pinto las frutas desde el natural, el resto del cuadro era compuesto desde estudios con modelo (desnudo) y un Back del cuadro de Picasso.











Parte del dibujo, trato de hacer un paso relajado-fluido del dibujo a la pintura.




Hércules en dibujo, esta etapa tiene un proceso intenso de acomodos, por ser una composición ideada, hay que proporcionar, ubicar, anatomizar etc. Mejor hacerlo con calma ya que es el fundamento del resto de la obra. Un error aquí, es fatal, yo lo se bien....





FIJADO DEL DIBUJO
Lienzo limpio. Un encolado muy ligero, para fijar lo dibujado. En horizontal para evitar chorreos.



REFERENCIAS-NO SOLTAR LA IDEA BÁSICA

Para el centauro, me fabrique un esquema en alto relieve, para tener referencia del claroscuro y la corporeidad de los cuerpos, es difícil imaginarlo todo.


Claro, también tenia un plan de ejecución, el cual no termina aun. A cada paso surge algo nuevo.
Un cuadro de investigación, de varios aspectos entre anatómicos, compositivos y tecnicos. Seria una locura si no guardara el BOCETO CERO, y tener siempre presente la idea básica. El resto es como lograrla.
Eso lo entendi al leer a HAROLD SPEED, el valor de los bocetos iniciales.






MANCHA-1/2 EMPASTE-GRISALLA


La mancha liquida tradicional, se convirtió con el tiempo en un medio empaste, un intermedio.
Un empaste ligero y de grisalla que se enfoca en las formas, determinándolas con dureza gráfica; lineas y masas. Sin delicadezas aun.
Aqui se ve el proceso, lineas y masas de empaste, transformando el dibujo a carbón, en pasta de oleo.


Delinear con oleo aligerado con el aceite. Al colocar el medio-empaste, la linea permanece firme allí, visible por debajo.










En huacos mochicas, tenia la idea tan clara que la mancha tapo el blanco y el empaste fue mas cargado, pero siempre como base de grisalla.










Sigo la norma de la division del trabajo: la base de grisalla se encarga de formas-volumen-claroscuro.
las capas siguientes del color-texturas-claroscuro fino.



Como en este ángel, la imagen de la grisalla difiere bastante del cuadro final. Es tal vez un 20% de ella. Pero es muy efectiva para el estudio figurativo.








La grisalla es puro volumen, sin pensar en el color, aunque se puede jugar con tonos mas fríos o rosas en carnaciones, pero siempre con la idea de que serán semi cubiertos.
Aquí en proceso el relieve de la figura que es casi de tamaño natural, siendo muy necesarios los estudios anatómicos previos.




En el cuadro de Hércules, me interesaba mas en el claroscuro, todos los elementos conformarían un volumen unificado, para ello tenia que voltear el cuadro muy seguido, desde el dibujo y claro en la grisalla.










El empaste de los huacos desde la lineas, las masas de tonos oscuros, la tela esbozada en las masas de sombra.



COLORES RESTREGADOS
Frotados de color sobre la grisalla seca, colores que serán muy útiles para un color resultante.



Vista de lo mismo, no es necesario tapar la grisalla totalmente.



Así quedo la grisalla de base en los huacos. Hay colores pero apagados, y es que necesitaba de volumen y texturas en esta fase.




Es de efecto muy duro, gráfico. Ya lo acepte por que es un comienzo.





En este desnudo, los estudios focalizados de anatomía me ayudan mas que una foto.





VELADURAS

Las sombras son mas reales si se pintan con veladuras, solo mira tu mano, la variedad de colores propios es tapada por una capa transparente. La sombra real.

Seca la base de grisalla y agregados algunos colores y texturados, velo desde el fondo la tela verde.
Aquí se ve un instante en que paso en color liquido, luego se va acomodando.

 En las sesiones intermedias, hay un proceso de velados y empastes de detalle, contrastes y fundidos.
Hay que insistir en las luces, los empastes que completan la escala de valores luminicos.

Momento en que aplico una veladura sobre el desnudo femenino. Se pone el color y se va acomodando, pincelando hasta que de el efecto. Por eso hay que imaginar cual sera el color final desde la base.








Ya casi se ve lo que quería, como el boceto a lápiz. pero falta.




Ya algo avanzado, con atención en los contrastes, fundidos atmosféricos y texturas.

    Varias sesiones de velados con semi empastes vueltos a velar. Así se ve, sin terminar aun.



Objetos chinos, ya terminado.






 Vista del bodegon casi terminado.


TIEMPO
Hay que dejar reposar el cuadro, verlo, criticarlo y retomarlo desde la idea inicial y motivadora, sin exagerar en los retoques, pues la inseguridad se siente de inmediato. Tendriamos que ser como una flecha, directos al objetivo y sin desviarse, solo así se es sincero y realista verdaderamente, con tigo y lo que intentas expresar. En las ultimas sesiones los toques son minimos pero cambian radicalmente la imagen.




DISTRAER LA CONCIENCIA


A veces cuelgo por detrás de la tele el cuadro en medio de la ejecución y veo el fútbol. Es algo extraño por demás, pero solo así puedo ver con mas claridad lo que le falta al cuadro.
Como si el cerebro funcionara mejor al concentrar la atención en algo alterno al cuadro, que es mi verdadero interez. Hay estudios sobre el tema, y es fascinante.





TALLER MENTAL

Aparte del taller físico donde sesionas materialmente tus obras, existe el taller dentro de tu mente.
Este es mucho mas complejo, pues se mueve en el tiempo, a cada paso o sesión ves otras cosas, tratas de ver mas allá; las incontables posibilidades de tu imagen en proceso, te preguntas como terminar tu obra. Aquella que deseas hacer ver a los demás.  Necesitas una técnica efectiva, una que lo logre.
 Antes de tocar el pincel, lo has hecho ya en tu taller mental. Todo el aspecto técnico es un medio para el objetivo, materializar esa imagen.   Es bueno saber pintar pero es mejor saber pensar y anticipar posibles dificultades, convinaciones que no funcionan, desbalances desastrosos, etc... Leonardo se pasaba como dicen, días enteros solo mirando su trabajo en proceso. Pensando y calculando.  Creando tal vez una estrategia optima para lograr su propósito.
Crear una obra de arte requiere de una capacidad mental elevada, ser mas que inteligente, hablamos de creatividad, algo inusual en la mayoría de personas, encontrar soluciones nuevas, originales e inesperadas a cada paso de la obra, conectando conceptos gráficos y no gráficos, relacionando cosas diversas, distintas,  para obtener una salida, una luz; solo los grandes maestros son capaces de ello.  Por ello los admiramos a travez del tiempo.
También una capacidad de organización global de todos los elementos, materiales-técnicos como los conceptuales y hasta los perceptuales y de sensaciones;  la forma y el fondo del asunto a la vez, viendo siempre el panorama y no solo el detalle de cada parte del cuadro. Como un general que crea una estrategia desde lo alto, viendo y entendiendo todo a ala vez. O como el técnico de fútbol, si quieres, el cerebro que mueve todo para vencer, que va con una estrategia previa; para no tener que improvisar, arriesgando el triunfo. El pintor, si se organiza y lo tiene todo claro, es muy probable que consiga una obra excelente, profunda y verdadera, directa en su expresión.

 El taller mental es un espacio de otra dimensión, mas amplia pues las imágenes se generan una tras otra, a la velocidad del pensamiento, moviéndose en un campo profundo y atemporal, lo hecho y lo que se hará, donde la experiencia sirve para avanzar y retroceder en el tiempo del proceso técnico mental. Decidiendo que hacer y que no al momento de regresar al taller material en el presente. Solo los bocetos, esquemas de las obras de arte, nos muestran lo que ocurre en el taller mental, por ello son tan interesantes y valiosos.


BALANCES
Tenemos por un lado la técnica material y por el otro la conceptual, es decir con que nociones pictóricas-graficas operamos sobre la imagen. Lo que sabes y sientes influirá en el proceso, tu técnica.
Con el tiempo, se llega a concebir la imagen como un juego de balances graficos. Las sensaciones graficadas son moduladas hasta conseguir un eqilibrio. Por ejemplo:
Las luces y los oscuros de todo el cuadro, o las formas con los vacios, o los contrastes con las armonias, de cualquier elemento: tamaños, ubicaciones, direccciones, tonos, colores, temperaturas, lineas, masas, suavidades con durezas, etc,etc... Hasta el mismo esquema ordenador busca un escape, una sensacion de libertad, orden y desorden. Un balance segun lo que deseas que sientan al ver tu obra, pero todo esto pertenece al mundo de la composicion, dejemoslo para luego...





15 comentarios:

  1. Extraordinario! Muchas gracias! éste procedimiento es muy similar al aprendido en la escuela o tiene más de tu propia experiencia?
    Yo tengo cuadros en los que mi proceso es al revés de otros trabajos, es muy vasta las posibilidades de facturas, orden de capas, consistencia de las capas, paletas y objetivo: fototrrealismo, semi impresionismo o estilo barroco, etc.
    A veces como mencionas veo un cuadro y me apasiona lograr los mismos efectos, a veces pinto varios a la vez, porque me impacienta terminar el actual trabajo y empezar uno nuevo con una nueva técnica.
    Sin embargo, me han comentado que hay algo común, que se percibe en todos mis trabajos.
    Es apasionante ésta búsqueda y te revela cosas de ti mismo y de lo que buscas en la pintura se conecta con lo que quieres en la vida.
    Saludos y gracias por compartir tu experiencia.

    ResponderEliminar
  2. Gracias Elio, eres un gran estudioso y un buen amigo. Pero debes perseguir la pintura mas que a los textos de pintura, experimentar y encontrar, mas que buscar por muchos lados ajenos... Tu eres tu maestro y debes escucharte.

    ResponderEliminar
  3. Muchisisisimas gracias Gustavo, mas que seguir al pie de la letra lo que publicaste me sirvió para inspirarme y aclarar mis dudas y temores antes de coger el pincel. Ricardo Puga

    ResponderEliminar
  4. Sin miedo, pinta!!. Mira, puedes incluso programar los errores,...si,... en un bosquejo previo al cuadro, algo suelto y sin pensarlo mucho. Luego empesar con calma la obra. A mi me sirve hacerlo. Gracias.

    ResponderEliminar
  5. Muy bueno tu trabajo amigo!! y me gustaria algun dia poder ver obras tuyas con respecto a la guerra del pacifico. sobre nuestros heroes,y sobre todo sobre nuestro querido Huascar! navegando por nuestros mares y en plena accion! seria bueno para las nuevas generaciones llegar a ver algo diferente sobre una de las etapas mas importantes de nuestra historia.mucho mas logrado y de la calidad de tu trabajo. Creeme que eso te haria mas conocido que Paolo Guerrero,y te lo agradeceria el Peru.ya que lo que se ve actualmente es escaso,y lo demas fue pintado por un ingles por pedido de chile. Bueno,es solo una idea..Un abrazo amigo y nuevamente te felicito por tu trabajo! Luis T.

    ResponderEliminar
  6. Gracias Luis, la pintura histórica es una especialidad, hay que investigar mucho... aún no me siento capacitado para ella. Un maestro cercano, Fernando Saldias, trabaja actualmente en una serie de oleos sobre Miguel Grau y las Batallas con el monitor Huascar, muy interesantes, trato de seguirlas en su proceso. Si puedes visítalo en su Museo. Teléfono 422-6749 para citas guiadas. Gracias otra vez.

    ResponderEliminar
  7. Acabo de descubrir esta página y me han encantado tus consejos. Es como tener a alguien que habla tu mismo idioma y te comprende en lo esencial. Llevo toda mi vida dibujando y pintando, desde que tengo uso de razón y alguien puso un lápiz en mis manos. Me han dicho durante años que mi pintura es hiperrealista, aunque si me propusiera pintar de otra forma no se si podría pues me sale así.
    Gracias por tus palabras. Te seguiré de cerca.
    Quizás te gustaría leer un libro que estoy intentando conseguir sobre dibujo y pintura. Se llama "El cuaderno de Bento" y su autor es John Berger, de Editorial Alfaguara y publicado en noviembre de 2012. Si lo buscas en Google puedes leer las 10 primeras páginas y ver si te interesa seguir leyéndolo.
    Me alegro de haberte encontrado.
    Un saludo.

    ResponderEliminar
  8. Gracias, puedo escribir desde la experiencia de pintor, creo que es lo que necesitamos. Buscaré el libro, yo te recomiendo otro: LA PRÁCTICA Y LA CIENCIA DEL DIBUJO POR HAROLD SPEED, puedes leerlo desde este blog.

    ResponderEliminar
  9. wow! yo estaba buscando temas relacionados al como eran las pinceladas y las tecnicas utilizadas para el Realismo y sales tu con esto ;) que increible! eres un gran artista, con gran determinacion! saludos desde Venezuela!

    ResponderEliminar
  10. Excelente tu obra, pero No es necesario tantos bocetos, cálculos, proyectos, escritos, etc.etc. para la creación de una obra de arte. El esfuerzo no va de la mano del artista, si la búsqueda y la práctica. Todo artista tiene un tremendo sentido de la intuición, y a ello hay que darle interés; los bocetos y otros artilugios son interesantes, pero la intuición y el "momento" son únicos. Hay que confiar más en uno mismo como ser creativo, ser artista, y salirse de las estructuras que atan al verdadero CREADOR. Saludos. Dino Masiero

    ResponderEliminar
  11. Algo de razón hay en lo que dices, un exceso del método perjudica la obra. Pero es que soy así. Este blog es de arte figurativo y dibujo académico, es decir que hay un estudio preparatorio profundo ha demostrar en los ejemplos. Por otro lado un exceso de confianza en la intuición solo nos aleja del entendimiento de los hechos que producen la creación artística. Veo con frecuencia que donde no hay mas argumento pictórico se intenta compensar con lo que llaman "estilo" o "búsqueda" pero el arte es libertad y cada quien la disfruta a su manera. Saludos y gracias.

    ResponderEliminar
  12. Excelente obra, y trabajo previo, mis respetos para con usted...
    Personalmente prefiero bocetear, calcular y trazar antes de comenzar a pintar o antes de grabar... ya que así se ve estructura y no sólo contorno y volumen....
    Saludos

    ResponderEliminar
  13. Ya veo, muchas gracias por comentar.
    Si, la profundidad de las sensaciones y la expresión misma viene del estudio previo. Incluso donde vemos lo que llaman MAESTRÍA DE EJECUCIÓN hay una experiencia de años. Harold Speed dice que la experiencia solo sirve para ver mas rápido el error.
    Gracias Johanna.

    ResponderEliminar
  14. Muchísimas gracias, por exponernos tu modo de pintar, soy estudiante de pintura y estaba buscando una referencia, a veces me siento perdida y quiero hacer un buen trabajo, esto me orienta mi trabajo.

    ResponderEliminar
  15. Me gustaron mucho tus obras porque son muy bonitas y además me ayudan a conocer nuevos trazos y formas a tener como guión, enhorabuena y a seguir así

    ResponderEliminar

sientes lo mismo, dime...